COVERCHORD FEATURE

nonnative
SS 2026 COLLECTION vol.1
自問自答の、その先で。ノンネイティブの現在地。Beyond Self-Questioning
The Current State of nonnative

デザイナー・藤井隆行に訊いた、2026年の春夏コレクションができるまで。An interview with Takayuki Fujii on nonnative’s Spring/Summer 2026 collection.
服をつくる上で思うことと、自身が一番服を好きだった時代の話。Exploring his current mindset and the era he felt most connected to clothing.

ものづくりとデザインについて。あるいは自身のスタイル観やワードローブについて。ノンネイティブのデザイナー、藤井隆行さんにはこれまでも折に触れて、何度も話を訊いてきた。Over the years, I’ve returned time and again to Takayuki Fujii to speak about making, design, and his personal sense of style. Having followed both the man and the brand closely, this Spring/Summer collection struck me as a quiet departure.

彼とこのブランドのクリエイションを長年見続けてきたけれど、それでもこの春夏のノンネイティブは少なからず異質に見えた。A palette led by purple, and details imbued with a deeper sense of nostalgia, subtly shift away from the familiar codes of nonnative.
パープルに象徴される今までにないカラーパレットや、いつも以上にノスタルジーが漂うアイテム選びとディテールの数々。What prompted this move, and why now?
既存のノンネイティブ像からはどこか隔たるそんなアプローチに、このタイミングで彼が踏み切ったのはなぜなんだろうか？At the exhibition, Fujii laughed, “Is there anything left to ask?”

展示会での藤井さんは「もう今さら質問なんてないんじゃない？」と笑っていたけれど、その理由を知るためにまた、彼のもとを訪ねた。Still, to trace that shift, I found myself seeking him out once again.

文：今野壘Text: Rui Konno
写真：佐藤健寿Photography: Kenji Sato

「vol.2」を読むRead Vol.2

――時間を割いてくださってありがとうございます。藤井さんがノンネイティブのデザイナーになってから、もう25年近く経ちましたよね？― Thank you for taking the time. It’s been nearly 25 years since you became the designer of nonnative, hasn’t it?

そうだね。この春夏が48回目のコレクションです。今つくってる次の秋冬が49回目で、その次が50。その数を聞くと「すごいですね！」と言われたりするんだけど、古いブランドになっちゃうのもなぁ……って（苦笑）。That’s right. This Spring/Summer marks our 48th collection. The one I’m working on now, for Fall/Winter, will be the 49th, and then the next will be 50. When people hear that, they often say, “That’s amazing,” but at the same time, I can’t help thinking… it also means the brand is getting old (laughs).
この前韓国に出張で行ったときにもそれはすごく感じました。「ノンネイティブ、僕も着てました！」って声をかけてくれる人が多かったから。I felt that especially when I was in Korea recently. A lot of people came up to me saying, “I used to wear nonnative.”

――ご本人たちは好意を持って言っているのも想像できますけどね。― I imagine they mean that in a positive way.

興奮気味に話しかけてくれたりしますからね。「昔好きでした！」って。だけど、やっぱり自分としては「今も続いてるんですけどね」みたいな気持ちにはなっちゃって。They do, and often quite enthusiastically. Like, “I loved it back then.” But still, part of me can’t help but think, “Well, it’s still ongoing.”

――でも25年以上ブランドが続いていたら、当然そういう世代の方も出てきますよね。だからこそ、ノンネイティブと藤井さんの今のお話を改めて訊きたいなと思ったんです。― But after more than 25 years, it’s only natural that kind of generation gap appears. That’s exactly why I wanted to ask about where nonnative, and where you yourself, stand now.

はい。そんなことを感じることが増えてきて、この春夏のコレクションの内容を考えるときに、「自分が一番服を好きだったのはいつだったかな」みたいなことを思い出していて。純粋に服を買って、着ることが好きだったのは……って。たぶん、自分が本当に熱狂的だったのは’96年だったかもなって。Yes, I’ve been thinking about that more lately. When I was considering this Spring/Summer collection, I found myself reflecting on when I loved clothes the most. When I was simply enjoying buying and wearing them. And if I had to pinpoint it, I think the time I was truly obsessed was around 1996.

――藤井さんがおいくつのころですか？― How old were you at the time?

二十歳かな。まだ美大に通ってたころだったから。初めてアメリカに行ったのも同じころなんですけど、そこでもアドレナリン全開で、本当に超興奮しながら服を買ってました。About 20. I was still in art school. That was also when I first went to the U.S., and I was completely overwhelmed in the best way.
飛行機に乗って、LAに着く2時間前からもうドキドキしちゃってるみたいな、そういう気持ちでしたね。I remember buying clothes in a state of pure excitement. I’d be on the plane, already feeling the rush two hours before landing in LA.

――そのときのアメリカ行きは何か理由があったんですか？― Was there a specific reason for that trip?

いや、とにかくアメリカを見てみたいっていう気持ちだけで、飛行機に乗ったのも初めてでした。「とにかく行きたい」って。それでサンタモニカに着いて、僕は当時は車の免許も持ってなかったけど、一緒に行った友達は持ってたから運転してもらってサンフランシスコに向かって。ローズボウルも行ったし、ベンチュラに行ってパタゴニアのお店も覗きましたね。Not really. I just wanted to see America for myself. It was my first time on a plane. I just thought, “I have to go.” I arrived in Santa Monica, and although I didn’t have a driver’s license, the friend I traveled with did, so we drove up to San Francisco. We went to the Rose Bowl Flea Market and stopped by Patagonia in Ventura.

――だいぶモチベーショナルな旅程ですね（笑）。― Sounds like quite a trip.

当時の自分たちがなんでそんなところを知ってたのかなって今考えると、古着屋の先輩がいたんですけど、その人がすごくいい人で「バイイングはここで買ってる」とかって全部教えてくれたんですよね。まぁ、グーグルマップもない時代だから住所だけ。だから現地で地図を広げて、「ここじゃね？」って友だちとやりながら。Looking back, I sometimes wonder how we even knew about those places. I had a senior who worked at a vintage shop, and he was incredibly generous, sharing everything, even where he sourced for buying. There was no Google Maps back then, just addresses. So once we got there, we’d open a map and go, “Maybe it’s around here?”
ありがちですけど、モーテルに着いたら電話帳をちぎって、「ここにもアウトドアリテーラーあんじゃん！」みたいな。そうやって行ったパタゴニアのアウトレットで（ラ・）スポルティバのスニーカーを買ったんです。グレーと紫の。当時の僕はレディースカラーを買うのにハマってたんですけど、（US）9以上の大きいサイズって日本にはなかったから、それが見つかったのが嬉しくて。It sounds cliché, but when we got to the motel, we’d tear pages out of the phone book and think, “There’s an outdoor retailer here too.” That’s how we ended up at a Patagonia outlet, where I picked up a pair of La Sportiva sneakers, in grey and purple. At the time, I was really into buying women’s colorways, but sizes above a US 9 weren’t available in Japan, so finding them felt like a big deal.

――アメリカならウィメンズサイズでも大きいものがありそうですもんね。― I imagine you could find larger women’s sizes in the U.S.

そうなんです。で、日本に帰ってそれを履いてたらもう、「何それ！？」みたいにみんなに聞かれました。誰もそんな色は持ってなかったから。そういう時代でしたね。そのときにお店でもらったパタゴニアの’96年のカタログも、やっぱりそういう紫とか、オレンジとかの色が多くて。Exactly. When I came back to Japan and started wearing them, everyone was like, “What are those?” No one had anything in those colors back then. It really felt like a different time. I also remember the 1996 catalog I got at Patagonia, it was full of those same purples and oranges.

――当時のウィメンズ用アウトドアギアに多かったカラーウェイという印象があります。― That color palette does feel characteristic of women’s outdoor gear at the time.

はい。（ナイキのエア）リバデルチがわかりやすい例だと思います。リバデルチは高校のころに買ったりしてたんですけど、そのときのローズボウルでも見つけて、日本に持って帰ってきてフリマに出したら3万円とかで売れました（笑）。Yes, I think the Nike Air Revaderchi is a good example. I used to buy them back in high school, and I even found a pair at the Rose Bowl back then. I brought them back to Japan and sold them at a flea market for around ¥30,000.
そういうふうにして、ちょっとお金ができたらまたそれでアメリカに行くみたいな、そんなことをしてました。That’s how it went, I’d make a bit of money, then use it to go back to the U.S. again.

――藤井さんの青春の1ページという感じがします。― It feels like a defining chapter of your youth.

なんて言うか、僕は本当に服が好きだったなぁって、改めて思ったんです。もちろん今でも服は好きだけど、やっぱり昔とは見方が違うんですよ。自分でデザインもしてるし、服をつくってるしで、何かにつながるだろうと思ってやってるところがあるから。In a way, it made me realize just how much I truly loved clothes. Of course I still do, but the way I look at them now is different. I design, I make, and there’s always a sense that it connects to something beyond.
当時は何にもつながらないけど、ただただ服が好きで探してるみたいな、そんな時代でしたね。何がしたかったのかと言えば、たぶん人と差をつけたかったんだと思います。自分だけしか持ってないものを身につけて。それにはアメリカに行くくらいしかなかったんですよね。簡単には電話もできないし、今考えたら無謀すぎるんだけど面白かったなって。Back then, it didn’t have to lead anywhere, I was simply searching because I loved clothes. If anything, I think I wanted to stand apart. To wear something only I had. And for that, going to America felt like the only option. It wasn’t easy to even make a phone call, and looking back, it was probably reckless, but that’s exactly what made it exciting.

――逆にその不自由さがあったから夢中になれたんでしょうね。その感覚は今の若い世代の人たちには想像しにくいかもしれないですけど。― In a way, maybe it was that very sense of limitation that made it so absorbing. It might be difficult for younger generations today to imagine that feeling.

ですよね。だけど、それって僕が昔先輩たちから’70年代の話を聞いていたようなもので、テクノロジーのなかったときの話をするのってズルいじゃないですか。だからそういうマウントを取るようなことはしたくないんですけど、アメリカがまだファッションに気づいてなかった時代だから、そこがあのころは面白かったのかもしれません。Exactly. But it’s the same as when I used to hear older people talk about the ’70s. Talking about a time without technology can feel a bit unfair. I don’t want to take that kind of stance. Still, America hadn’t fully caught on to fashion yet, and maybe that’s what made it so interesting back then.

――この春夏のノンネイティブはパープルが印象的なコレクションでしたけど、その由来がわかった気がします。でも、なぜこのタイミングでそのころを振り返ったんですか？― Purple stood out in this Spring/Summer collection, and hearing this, it begins to make sense. But why revisit that period now?

うーん……。今ってヴィンテージがまた盛り上がってたり、服の本質好き対決の時代になってるような気がするんですよね。「何年代のアーカイブがもとになってて……」とかっていうふうに。I think it’s because vintage is having another moment, and it feels like we’re in an era where people compete over how deeply they love clothes, everything framed through references to archives and decades.
それを見たときに、自分が服を一番好きだったのは、一番服が楽しかったのはいつだろうと考えて、思い出したのがきっかけ……なのかなぁ。Seeing that made me reflect on when I loved clothes the most, when they felt the most exciting. That’s probably what brought me back to that time.

――そこから邪推すると、あんまり昨今のファッションシーンのムードに肯定的じゃない藤井さんがいるのかなと思ってしまうんですが。― Hearing that, one might assume you’re not entirely aligned with the current mood of the fashion scene.

肯定的じゃないというよりは、変なブランドがないよなって感じてます。狙ってツイストしてるブランドとかはあるけど、クワイエットラグジュアリーみたいなものがいまだに人気で、超シンプルで同じようなブランドがせめぎ合っているのが不思議だなって。変な人たちやブランドがモチベーションを保つのが難しい時代だなって感じます。It’s not that I’m against it. It’s more that there aren’t many truly unconventional brands anymore. There are brands that intentionally add a twist, but something like quiet luxury is still dominant, and it’s curious how many minimal, similar brands are competing in that space.
特にテック系のブームが落ち着いてからは余計にそうなった気がしていて。だけど、自分は相変わらずテクノロジーも好きだし、そんな中でこういう時代にどう表現しようか……みたいな。だから悩んでますね（笑）。めっちゃ苦しいですよ。It feels like a difficult time for unconventional people and brands to stay motivated. Especially now that the techwear trend has settled down. I still love technology, but within that, I keep asking myself how to express something in a time like this. It’s something I’m struggling with. It’s honestly quite tough.

――赤裸々ですね（笑）。― That’s very candid.

見渡しても、やっぱり余計なことをしないブランドが売れてるじゃないですか。デザインってなんだろうなって、つい考えちゃいます。Looking around, it’s often the brands that avoid doing too much that succeed. It makes you wonder what design really is.
コロナ中は逆にロゴばかりですごかったけど、あれも辛かったですね（苦笑）。During COVID, it swung the other way, everything was about logos, and that felt just as exhausting.
そうやって25年もやってると、いろんな時代があったなって。After 25 years, you start to see how many different phases there have been.

――詰まるところ、もう一度昔のご自身の純度のようなものを取り戻したかったんですか？― In the end, were you trying to return to a kind of purity you once had?

そうなんですかね。なんか、上手になってる自分もいるなと思うんです。良くも悪くもプロっぽくなってる自分が。Maybe. I do feel that I’ve become more skilled, more professional, for better or worse.
それを自覚しちゃったら、がむしゃらだった時代を思い出すしかないかな、とかっていうことは考えてました。And once you become aware of that, you start thinking about those earlier days, when everything was more instinctive, more driven.

――でも、初心と同じように服づくりと向き合うって、簡単ではなさそうですよね。― But approaching making clothes with the same mindset as when you first started doesn’t sound easy.

そうなんですよね。でも、一方で昔だったら今季みたいなものはつくれなかっただろうなとも思っていて。Exactly. At the same time, I also feel that I couldn’t have made something like this season back then.
たとえば加工のテクニックだったりとか、そういう部分は実は当時、何度もやろうとしたことではあったんですけど、あのころはそれができなかったんです。色にしても、当時はこのパープルを出したいなと思っても、ポーラテックにそんな色はなかったし。Techniques, for example, I actually tried many times in the past, but it just wasn’t possible at the time. Even with color, I might have wanted to create this kind of purple, but materials like Polartec simply didn’t offer it.
だけど、今はやりとりをしながら、その色をつくってもらえるようになったから。Now, through ongoing dialogue, we’re able to develop those colors together.

――普通は続けていくことは、そうやってレベルが上がっていくことのはずですもんね。ただ、手放しでそれを是とできなかった藤井さんがいたと。― Normally, continuing over time means your level naturally improves. But it seems there was a part of you that couldn’t fully embrace that.

はい。前までは毎回どこか新しい場所を訪れて、その雰囲気から得たインスピレーションをコレクションに、とかっていうことをやってたんですけど、今は見たことのない国やエリアで気になる場所っていうのもあんまり思い浮かばなくなってしまって。Yes. Before, I would visit a new place each season and draw inspiration from its atmosphere for the collection. But now, there are fewer places that feel entirely unknown or unexplored to me.
どの都市も深くコミュニティに入っていったらまた違うんでしょうけど、それを毎回服にリンクさせていくのもなかなか難しくて。Of course, if you go deeper into a city’s community, it’s different, but translating that into clothing every time has become more difficult.

――ものづくりのための情報収集として旅をするっていうのも、どこかよこしまに思えちゃいそうですよね。― Traveling as a way of gathering inspiration for making can start to feel a bit contrived, in a way.

最初に行ったLAに、理由なんてなかったですからね。行きたいから行くっていう、ただそれだけでした。服を仕事にしてなかったあの時代は。There wasn’t really a reason when I first went to LA. I just wanted to go, and that was enough. Back then, I wasn’t working in fashion yet.
そうやっていろんな場所に行ってコレクションを考えてた時期も長かったんですけどね。（ノンネイティブの運営母体の）TNPっていうのはやっぱりそういうチームだと思うし、僕もアメリカ以外の国にはそんなに行ったことがなかったから、ファッションとかが関係ない国や街に行ってみるのは純粋に楽しかったですし。There was a long period where I would travel to different places and think about collections that way. I think TNP, the team behind nonnative, is still very much rooted in that mindset. Personally, I hadn’t traveled much outside of the U.S., so visiting countries and cities unrelated to fashion was simply enjoyable in a very pure way.

――それはやっぱり（TNP代表のサーフェン）智さんの影響もあるんですか？― Was that also influenced by Satoshi Saffen?

そうですね。洋服だけじゃない、いろんな背景を持ってる人たちが集まったチームで服づくりをやってこれたのは、自分としてもブランドとしてもすごい強みだったと思います。だからこそ、自分は服づくりに専念できてましたし。Yes, definitely. Being part of a company where people come together with diverse backgrounds, not just in clothing, has been a real strength, both for me and for the brand. It allowed me to fully focus on making clothes.
僕らよりも少し世代が上で、カルチャーのあるものづくりを昔から今まで続けてきている人たちは「なぜ服をつくるのか」みたいなことが明確ですよね。だけど、今の時代はそういうことが減っちゃったのかもしれません。工場のレベルも上がって、みんなが質の高い服をつくれるようにはなったはずなんですけどね。People from a slightly older generation, who have continued creating with a strong sense of culture, tend to have a clear reason for why they make clothes. But maybe that sense has become less defined today. The level of production has improved, and technically, anyone can now make high-quality garments.

――それでも、ブランドとしてはコレクションをやって服をつくり続けないといけないわけですもんね。― Even so, as a brand, you still have to continue creating collections.

もちろん仕事だからずっと数字と隣り合わせでもあるんですけど、正直言えば、本当にこれ以上新しい服をつくるべきなのかな、って悩むこともいっぱいあります。自分自身も去年の服を着ていたりするし、今の世の中は服も飽和していて「そんなに要らないでしょ」と思うところもあるから、何をもってして自分はその服をつくるのかっていうことはすごく考えてます。Of course. It’s a business, so numbers are always part of it. But to be honest, there are many moments when I question whether we really need to keep making new clothes. I still wear pieces from last year myself, and with how saturated things are now, there are times when I feel like, do we really need more?
大きなトレンドもないし、一般の人でもパリコレの情報をオンタイムでキャッチできる状況だし、服で感動を与えるのが本当に難しい時代かもしれないなって。みんな堅実で、言ったら“失敗したくない”っていうのがトレンドかもしれませんね。So I keep thinking about what justifies making something new. There’s no dominant trend, and even general audiences can access runway information in real time. It may simply be a time when it’s difficult to truly move people through clothing.
Everyone feels more cautious now. If anything, maybe the prevailing mood is not wanting to fail.

――その状況で新しいものを生み出す大変さは、想像するとちょっと気が遠くなりそうです……。― In that context, creating something new almost feels overwhelming.

さっきも少し話しましたけど、何が本当のデザインなんだろう、ってすごく考えてます。極力デザインをしないほうがいいのかもとは思いつつ、やっぱりやらないと嫌になりますね。As I mentioned earlier, I keep questioning what design really is. Part of me feels it’s better not to design too much, but at the same time, doing nothing doesn’t feel right.
実はやってみたこともあるんですよ。501®をリファレンスに、そのまんまのデニムをつくってみよう、って。だけどそれで上がってきたサンプルを見て、やっぱり「これ、自分がやる意味ってあるのかな？」って気持ちになりました。I once tried using Levi’s 501 as a reference and making them as they are. But when I saw the sample, I thought, “Is there any point in me doing this?”
だから原型はあってもやっぱり崩したくなるし、足したり引いたりしたくなります。ジーパンはジーパンであってほしいんですけど、オリジナルを真似るようで真似ないみたいなことろが難しいんです。それがたぶん、自分にとってのデザインなんだろうなって。Even with an original form, I end up wanting to adjust it, adding or subtracting something. Jeans should remain jeans, but that space between imitation and change is the hardest part. That’s probably what design means to me.

――そんな気持ちを抱えながらつくった春夏コレクションで特に核になっているアイテムはありますか？― With that in mind, are there any key pieces in this spring and summer collection?

さっきの色の話で言えばピグメント染めのカットソーとか、あとはプルオーバーのベストかな。特にプルオーバーとかって、実用性で言ったら決して高くはないんだけど、やっぱりそれにしかない面白さがあるよなってすごく思うんです。In terms of color, I’d say the pigment-dyed cut-and-sew pieces, and also the pullover vest. Pullovers aren’t the most practical choice, but there’s something about them that only they can offer. That sense of interest feels irreplaceable.

――確かに、脱ぎ着が手間になるプルオーバーを率先して選ぶ理由ってなんだろうという話ですよね。― Right, choosing a pullover means accepting the hassle of putting it on and taking it off.

そういう“これじゃなきゃ嫌だ”っていうチョイスが、現代にはあんまりないですよね。“このほうが賢い”ばっかりで。ごはんを食べるときだって、「店構えがなんかいいから、このお店にしようよ！」っていうのが今は難しいじゃないですか？　その前にもう、ネットで点数を見れちゃうから。それで決められちゃうからハズレがない。Exactly. That kind of “it has to be this” decision feels rare these days. Everything leans toward what’s more efficient or rational. Even when choosing a place to eat, it’s hard now to say, “this place just feels right.” Before that, you’ve already checked the ratings online, so there’s no real risk of failure.
さっき話したような昔のファッションは、ほぼハズレだったから（笑）。それを経験したことが今の自分のデザインに活かされてはいるんですけど。とは言え、当時だって失敗はしたくないから「◯◯年代のものでアメリカ製だから」とかっておまけをつけて言い訳することで自分を納得させてました。だけど、だんだんそれも嫌になってきて。「これはアメリカ製じゃないからダメだ」とかってすごくつまらないなと感じてしまって。Back then, fashion was almost full of misses. But those experiences shaped how I design today. Still, I didn’t want to fail, so I’d justify things to myself, like “it’s from this era” or “it’s made in the U.S.” Over time, I started to feel uncomfortable with that too. Thinking “this isn’t made in the U.S., so it’s no good” just felt very limiting.

――ワクワクしつつ、息苦しくもありますよね。きっと、もっと自由でいいんだろうなと。本筋のコレクション以外にノンネイティブでは毎シーズンのコラボレーションも多彩ですけど、それはどんな基準で企画されてるんですか？― It’s exciting, but also a bit suffocating. It makes you feel like things could be more free. nonnative also does many collaborations each season. How do those come about?

それは正直、計画的にやっていることではなくて、フレンドシップから自然と生まれる話でしかないんです。To be honest, they’re not planned in a strategic way.
初めて会う人たちでも、コラボレーションに発展するときはいつも実際に会ってみて仲良くなりながら実現していくし。ビジネスコラボみたいなものはほぼないんです。だからそこに嘘はないし、どのコラボにしても理由があって、「一緒にやろうよ」みたいなところから始まりますね。They naturally grow out of friendships. Even when it’s someone I’ve just met, collaborations tend to happen through actually spending time together and building that connection. There’s almost nothing that feels like a business-driven collaboration. That’s why there’s no pretense. Every project has its own reason, and it usually starts from something simple, like “let’s make something together.”

――今回で言うと、シャツ専業ブランドの〈Rafu〉とのコラボレーションは初の試みですよね？― In this collection, your collaboration with the shirt-focused brand Rafu is a first, right?

そうですね。（〈MIYAGIHIDETAKA〉／〈Rafu〉を手掛ける）宮城（秀貴）くんと一緒に服をつくったのも、最初に彼からDMをもらって、「じゃあ、一回会ってお話ししましょうか」っていうところから始まりました。Yes. It actually started when Miyagi from MIYAGIHIDETAKA and Rafu sent me a DM. I thought, “let’s meet and talk,” and that’s how it all began.
僕、実はチェックシャツを考えるのがすごく苦手なんですよ。だけど、コレクションではよくやってるし必要なアイテムだとも思うから、誰か僕の代わりにいいチェック柄、考えてくれないかな……とかってずっと考えてたら彼が現れて。彼はほぼチェックとバンダナ柄しかやってないし、有名かどうかとかは関係なく、興味を持った人には直接自分で会いに行ってコラボレーションの打診をしているそうで。それがすごいなって。To be honest, I’m not very good at coming up with check shirts. But they’re an important part of the collection, so I’d always been thinking, “maybe someone could come up with a great check pattern for me.” And then he came along. He mainly works with checks and bandana patterns, and regardless of whether someone is well-known or not, he goes out to meet people he’s interested in and proposes collaborations himself. I really admire that.

――そういう企画も自然にできていったんですね。― So projects like this come together quite naturally.

結局服をつくるのって、そうやってストーリーが必要になってくるんですよ。「なんでこの服をつくったんですか？」って聞かれて、答えられるようなものじゃないといけない。Exactly. In the end, making clothes always comes down to having a story. When someone asks, “why did you make this?”, you need to have an answer.
いつもは自分が着たいと思う服を素直につくってきましたけど、今回のコレクションは自分の淡い思い出と向き合いながらかなり客観的にデザインしたから、いろんな意味で結構チャレンジングだったと思います。展示会前にルックを組んでるときに、ちょっともう具合が悪くなっちゃうくらい考えたので（笑）。I’ve always made clothes quite honestly, based on what I personally want to wear. But this time, I approached the collection more objectively, while facing some of my own faint memories. In that sense, it was quite a challenging process. When I was putting together the looks before the exhibition, I was thinking so much it almost made me feel unwell (laughs).
それでも展示会に来てくれた人たちは楽しそうな反応でした。これから、お客さんたちがどう見てくれるのかなっていうのはすごく気になります。Still, the reactions at the exhibition were very positive. Everyone seemed to really enjoy it. I’m curious to see how customers will respond going forward.

――ある意味で、藤井さん個人にとって特に意味合いの強いシーズンになったんですね。― In a way, it sounds like this became a particularly meaningful season for you.

逆に今進めている次の秋冬は自分が着たいものばかりをやってるんですけど、今回の春夏をこういう形でやったからこそ、振り切って先に進めたのかもしれませんね。On the other hand, for the upcoming fall and winter, I’m going back to making only what I personally want to wear. But maybe it’s because I approached this spring and summer collection in that way that I can now move forward more freely.

――なるほど。さっき、服で感動を与えるのが難しい時代と言われていましたけど、やっぱり藤井さんには今も、自分のつくる服で人を感動させたいという気持ちがあるんですか？― Earlier you mentioned that it’s difficult to move people emotionally through clothing today. Do you still want your work to have that kind of impact?

感動させたいとは考えてないです。それは昔から同じですね。よく言ってるんですけど、“格好いい”のって格好悪いと思うから。「その服、格好いいね」と言ってもらえること自体は嬉しいけど、そんなに目立つものにしたくはないんです。I don’t really think about wanting to move people. That hasn’t changed since the beginning. I often say this, but I think trying too hard to be “cool” can actually feel uncool. Of course, I’m happy if someone says, “that looks great,” but I don’t want to make something that stands out too much.
「めちゃくちゃいいね！」よりも、「なんかいいね」をどうやったらつくれるかなってずっと考えてます。やっぱりそれが、ノンネイティブらしさだと思うから。Rather than “that’s amazing,” I’m always thinking about how to create something that feels like, “that’s kind of nice.”
I think that’s what defines nonnative.

藤井隆行（ふじい・たかゆき）Takayuki Fujii
1976年生まれ、奈良県出身。美大を中退後、いくつかのショップの店頭に立った後、2001年、〈nonnative〉にデザイナーとして参加。暮らしや生活にフォーカスし自分らしく生きる人々に向けたワードローブを提案している。Born in 1976 in Nara, Japan. After leaving art school, he worked in several retail shops before joining nonnative as a designer in 2001. Focusing on daily life, he proposes a wardrobe for those who live in their own way. Focusing on modern living, he proposes a wardrobe for those who live in their own way.

VIEW MORE